En las profundidades de Oscar Wilde

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Siempre había intentado terminar la novela “De profundis” de Oscar Wilde. Como ciertas películas y libros, ella me observaba atenta desde su estante, tentándome, hasta que la agarraba, la ojeaba y la volvía a cerrar sin conseguir llegar a comprenderla. Comprender porque ha de ser tan larga una carta y comprender porque ha de ser entretenido leer las penurias a las que fue sometido este pobre escritor durante 200 páginas. Hasta hoy.

Como bien supo ver su amigo Robert Ross al publicar esta carta con dicho título, no hay nada más profundo que adentrarse en la mente del artista a partir de su correspondencia, como tampoco hay momento más hondo en la vida de su amigo que las experiencias guardadas en esta carta. “De profundis” se convierte  en el confesionario manuscrito de Wilde quien, mientras abre los ojos a su pasado, lo acepta y logra coger fuerzas para mirar con esperanza hacia el futuro, volviendo a la caverna para intentar, por última vez, salvar el alma de su amante Lord Alfred Douglas, también llamado Bosie, causante de todo su dolor, sus desgracias y su condena.

Nacido en Dublín en 1847 en el seno de una rica familia burguesa, a Oscar Wilde se le conoce por ejemplificar el ideal del dandysmo inglés del siglo XIX. Tal y como dijo Baudelaire, se convierten en la última revelación del heroísmo en una época de decadencia, una puesta de sol, el último rayo radiante del orgullo humano. Oscar Wilde, con su inusitada sensibilidad, admirando la infructuosa existencia del arte, convierte su vida en una experiencia igual de inolvidable e insustituible y, en consecuencia, en una crítica social viviente.  Artísticamente, sus obras ejemplifican el esteticismo literario inglés de finales del XIX, al tiempo que se reconocen, como se reconoce a si mismo, por su propensión a la paradoja, a la excentricidad y a su cuidada belleza sintáctica. Una protesta viviente contra una época igualitaria, trivial y utilitaria “en la cual no sabemos aprovechar nada”.

 

“Yo era una encarnación del arte y la cultura de mi época”                                        “Desperté la imaginación de mi siglo”

 

En “De profundis” nos adentramos en la consciencia de un artista atormentado. Un artista que es consciente del papel que desempeña en su mundo y de la responsabilidad que su don espera de él; y que ahora, afligido por el abandono de su arte durante los años de derroche y caprichos vividos junto a su amante, antepone la esperanza al resentimiento haciendo un bonito canto al dolor. Wilde, paladín del placer, en la cárcel se reconcilia con su dolor, pues vislumbra que, tal y como Cristo supo ver, el pecado y el dolor son caminos hacia la perfección.“El placer para el cuerpo es hermoso; para la belleza del alma, el dolor”. Un camino que se recorre en soledad, en una concepción cada vez más individualista de la vida, en la que antepondrá su propia evolución personal al exigente mundo. Luchar por desarrollar su arte, pues tanto el dolor como el amor son la piedra de toque del gran arte, de la perfección, de Dios.

Finalmente el odio de su amante hacia su padre y la fama que conseguiría este vejando la figura del famoso Wilde como sodomita, hicieron de una guerra externa el fin de un gran artista. Y es que, pese a las esperanzas recogidas en esos dos años de cárcel, morirá tres años más tarde a principio de su nueva vida, pobre, solitario y en agonía…

 

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Ilustración de… una de las novelas de Oscar Wilde, por la diseñadora Madame Yna Majeska. 1930. Fuente: The British Library Board.

 

 

Como siempre, espero que os haya gustado esta nueva entrada y que os anime a leer con detenimiento este libro tan conmovedor. Pues solo con minuciosidad y, tal y como dice Wilde, “imaginación”, se puede disfrutar de la belleza oculta de sus palabras.

– Fuente: Wilde, Oscar. (1999), De profundis. Madrid, España: Edimat Libros, S. A. (con el estudio preliminar de Carmelo Sánchez Castro.)

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Otra forma de ver Wall·E (2008)

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En un mundo postapocalíptico donde la Tierra acaba sucumbiendo a la infección parasitaria de la vida humana, nuestro mundo es abandonado a su suerte por la humanidad, ahora habitantes de la nave BnL. En la Tierra Wall·E, un pequeño robot de limpieza, se convierte en la irónica personificación de la última esperanza del ser humano. En un universo donde la basura, las máquinas y los anuncios envuelven el planeta, el hogar de este ingenioso robot  se convierte en el último reducto de humanidad en la Tierra. Entre los inventos, las bombillas y los casetes, la dulzura de una cinta en VHS de Hello Dolly! se convierte en su bien más preciado. El último romántico en la era de las tecnologías, recolector primero de chatarra y después de fragmentos olvidados de vida humana, resulta ser un robot.

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Así, una película para niños se convierte en una lección moral para los adultos, un canto a la humanidad, al arte y a las emociones sobre la hegemonía de las ya ensalzadas tecnologías. Los humanos, abducidos por la facilidades tecnológicas, absorbidos por la publicidad, y perezosos en sus relaciones personales «han perdido todo lo que los hace humanos» (Rod Dreher). Pero el amor y el arte nunca mueren, traspasando incluso las barreras de la realidad, reencarnándose en la figura de Wall·E súbitamente enamorado de EVA, una robot tipo sonda y combate que es enviada a la Tierra para buscar cualquier indicio de vida vegetal que permita a la humanidad volver a su planeta.

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Así EVA se convierte en la paloma blanca que con la rama de olivo en su pico devuelve la vida a la Tierra en la historia bíblica del Arca de Noé… o en la inversión o el indulto a la historia de su homónima bíblica Eva, la primera mujer en la Tierra y supuesta culpable de la creación del Pecado original. EVA ahora utiliza la planta para comunicarse con la humanidad y salvarla advirtiéndole de que se alejen del «falso dios» de BnL y vuelva a la Tierra (Jim Reardon, guionista de la película) . De igual manera, el amor de Walle-E se convierte en otro símil de la historia griega de Butades de Sición,  en la que su hija en un intento de preservar la imagen de su amante, dibuja la silueta de su sombra en una pared poco antes de que él parta hacía la guerra; silueta que luego Butades de Sición -tal y como lo hace Wall·E con EVA en una de las escenas de la película-, convertirá en escultura. Conmemora así con la escena, uno de los primeros mitos del nacimiento del arte según la tradición griega y con ello nos recuerda que cualquier «acto de creación se encuentra ligado a la emoción del amor» (Hrag Vartanian). 

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Es más, al final de la película el impulso que lleva al capitán de la nave a volver a la Tierra tiene que ver con el arte y el amor. El canto, el baile, la música, y el arte tienen el poder de conectar y de mejorar nuestra comprensión del mundo; el arte como forma de comunicación puede inspirar la revolución, la redención o el cambio. (Bridget McGovern). Y siguiendo este mismo espíritu el director de Wall·E,  Andrew Stanton, decidió crear unos títulos de créditos que completasen la película y demostrasen que la Tierra se podría volver a habitar. Así crearon un positivo epílogo en forma de títulos de crédito, dirigidos por Jim Capobianco y el animador Alexander Woo, acompañados por la canción “Down to Earth”, compuesta por Thomas Newman y con laletra y voz del cantante de rock Peter Gabriel, la cual es un llamamiento al retorno a la naturaleza y a la vida, conclusión final de la película y de sus créditos finales, los cuales muestran el proceso de re-civilización de la tierra que surge unido, ineludible, al nacimiento de los estilos artísticos, y que se termina de desarrollar, casualmente, en algún lugar antes de la revolución industrial…

Fuentes:

PULITZER 2016 y GÉRICAULT 1819

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Ayer se celebró el centenario de los Premios Pulitzer: los “Oscars” del periodismo, la literatura y la composición musical en los Estados Unidos.  Premian en total 21 categorías, cinco de literatura, dos de teatro y música y  catorce de ellas periodísticas que abarcan desde largas investigaciones a fotografías o caricaturas.

La cuestión es que ayer viendo las fotografías premiadas me impactó la de Sergey Ponomarev del The New York Times. Y es que no he sido la única que se ha dado cuenta del gran parecido de esta fotografía de los refugiados con una pintura de hace dos siglos.

¿Sabéis cual es?

Sergey Ponomarev,The New York Times – November 16, 2015

 

Y aquí la pintura:

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La balsa de la Medusa, Théodore Géricault (1819)

Siendo objetiva puede que vosotros no le veáis más parecido que la tormenta y los náufragos pero os voy a contar la historia:

 

En junio de 1816 la fragata francesa Méduse salió de Rochefort con rumbo al puerto senegales de Saint-Louis. Su objetivo era aceptar la devolución británica de la colonia de Senegal a Francia tras la Paz de Paris. La Méduse, junto con el nuevo gobernador de Senegal, dirigía un convoy compuesto por otras 3 embarcaciones:el buque-bodega Loire, el bergantín Argus y la corbeta Écho

La cuestión es que el 2 de julio de 1816 la fragata Méduse se fue al garete frente a la costa de Mauritania. (Sí, aunque no lo creáis “irse al garete” es el termino naval para decir que una embarcación se ha descontrolado). Ella se desvió de su rumbo hasta que colisionó con un banco de arena en la bahía de Arguin, en la costa de África Occidental, cerca de la actual Mauritania. Todo ello se debió a la incompetencia de su capitán, un enchufado político que apenas había navegado en 20 años. Además había desdeñado los consejos de los expertos oficiales navales a sus ordenes. Viendo que no podían desencallar el banco decidieron entonces salvar los 60km que los separaban de la costa africana en los 6 botes que portaba la fragata. Pero sólo cabían en los botes 250 personas y eran 400 contando con los 160 marineros. Ya podéis imaginaros por donde voy… El resto de la tripulación 146 hombres y una mujer decidieron construir una balsa de 20x7m donde sólo podían mantenerse de pie. Era tal el peso que el agua les llegaba hasta la cintura, pero al menos flotaban. Aún así 17 miembros de la tripulación decidieron quedarse a bordo de la Medusa. Los botes entonces debían arrastrar con ellos la balsa para llegar todos a la costa pero a mitad del trayecto los cabos que las unían se soltaron. ¿? Los botes, el capitán y el impaciente nuevo gobernador de Senegal abandonaron a los pasajeros de la barca a su suerte.

En la primera noche 20 personas se suicidaron o fueron asesinadas dentro de la barca, quizás porque sólo se les entrego una bolsa de galletas y los 2 contenedores de agua que se cayeron por la borda durante las peleas. Los supervivientes de la balsa sufrieron tormentas, la sed, el hambre y la desesperación. Muchos cayeron en la locura. Se produjeron asesinatos y homicidios deliberados de los más débiles que acabaron en actos de canibalismo. Después de 13 días la balsa fue rescatada por casualidad por una de las naves del convoy inicial. Sólo habían logrado sobrevivir 15 hombres. Ya en Senegal murieron 5 más. Sólo llegaron a Francia 10.

Lo ocurrido se convirtió en un escándalo internacional y una vergüenza para la recientemente restaurada monarquía francesa tras el Imperio de Napoleón. El capitán fue depuesto, y el gobernador y el ministro destituidos.

¿Es cosa mía o eso de dar la espalda a los naúfragos sigue a la orden del día?

Sea como sea, y tal y como ha hecho hoy Sergey Ponomarev, Théodore Géricault (1791-1824)  un pintor francés de la época sintió que debía plasmar la noticia. Se pasó meses recabando información de ella, entrevistó a dos de sus supervivientes (uno de ellos el cirujano Jean-Baptiste Savigny quien inició los homicidios deliberados) y realizó multitud de estudios anatómicos de moribundos y miembros amputados en hospitales. Hizo del suceso 2 estudios completos: la mutilación de los amotinados y el posterior canibalismo. Pero finalmente aspirando a igualar la grandeza de David en la pintura de historia se centró plasmar la victoria de los supervivientes de la balsa y la redención de su sufrimiento en vez de los horrores vividos en ella. Es por ello por lo que abandonó la ferviente verosimilitud del hambre, la insolación y las heridas en los cuerpos de sus protagonistas en pro de mostrar su dominio del desnudo y de la figura anatómica más ideal. Así La balsa de la Medusa se convirtió en una obra de transición entre la pintura más tradicional (composición triangular clásica, anatomías de formas ideales) y el nuevo camino hacia el romanticismo. Porque pese a que hoy día creamos que el romanticismo solo abarca pinturas de “romances” también engloba las pinturas más irracionales, violentas y dramáticas. Como dice Rosenblum de ella (aunque considero que podría valer para las dos imágenes):

La Medusa señala el fin del movimiento ilustrado, desvelando la verdad oscura y aterradora que se esconde bajo la tapadera de la razón. 

 

BIOGRAFÍA:
  • Robert Rosenblum y H.W. Janson “El arte del siglo XIX” EDITORIAL AKAL, 1992
  • Stephen F. Eisenman y Thomas E. Crow. Ediciones AKAL, 2001
  • *Los datos técnicos de la historia en la cita son un resumen, transformación del contenido que hay en Wikipedia más algunas corroboraciones propias de los anteriores libros.

#DiaInternacionalDelBeso (UNHATE)

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Hola a todos y Feliz día Internacional del Beso!

Hoy quiero abstenerme de mostrar el simple beso entre una pareja o una fotografía inesperada. Y  es que en el 2012 la marca de ropa United Colour of Benetton contrató al fotógrafo Oliviero Toscani para hacer una de sus campañas publicitarias más polémicas (y que hoy día echamos tanto en falta): UNHATE

“Unhate” (sin odio, dicho en español) mostraba a los principales líderes mundiales besándose en la boca como un desafío a resolver las diferencias entre ellos. Me alegra decir que esta campaña tiene un par de fotos “casi” desfasadas. Menos mal que el tiempo pasa y los políticos van haciendo caso a los gritos pacifistas de Oliviero Toscani. Barack Obama con Hugo Chávez, Angela Merkel con Nicolas Sarkozy, el líder palestino Mahmud Abbas con el primer ministro israelí Benjamin Netanyahu…

 Barak Obama, Presidente de EEUU – Hugo Chávez,  Presidente de Venezuela

 

What does UNHATE mean? UN-hate. Stop hating, if you were hating. Unhate is a message that invites us to consider that hate and love are not as far away from each other as we think. Actually, the two opposing sentiments are often in a delicate and unstable balance. Our campaign promotes a shift in the balance: don’t hate, Unhate.Angela Merker, Canciller de Alemánia – Nicolas Sarkozy, presidente de Francia

 

What does UNHATE mean? UN-hate. Stop hating, if you were hating. Unhate is a message that invites us to consider that hate and love are not as far away from each other as we think. Actually, the two opposing sentiments are often in a delicate and unstable balance. Our campaign promotes a shift in the balance: don’t hate, Unhate.Líder Supremo de Corea del Norte – Presidente de Corea del Sur

 

What does UNHATE mean? UN-hate. Stop hating, if you were hating. Unhate is a message that invites us to consider that hate and love are not as far away from each other as we think. Actually, the two opposing sentiments are often in a delicate and unstable balance. Our campaign promotes a shift in the balance: don’t hate, Unhate.Presidente de Autoridad Nacional Palestina – Primer Ministro de Israel

Papa Benedicto XVI besando a un imán musulmán

La campaña fue tan polémica que encontró bastante resistencia. El Vaticano denunció a la marca por la imagen de Benedicto XVI besandose con un imán musulmán la cual a continuación fue rápidamente censurada sin poder tomar parte en ningún festival. Algunos periódicos rechazaron publicar sus anuncios. A pesar de ello el Festival Internacional de Creatividad Cannes Lions  de 2012 , (el festival de publicidad más grande del mundo), le otorgó el Grand Prix de Gráfica.

En realidad creo que no hace falta explicar sus intenciones pero por si fuera necesario, quién mejor para explicarlo que los propios creadores de la campaña desde su página oficial:

*What does UNHATE mean? UN-hate. Stop hating, if you were hating. Unhate is a message that invites us to consider that hate and love are not as far away from each other as we think. Actually, the two opposing sentiments are often in a delicate and unstable balance. Our campaign promotes a shift in the balance: don’t hate, Unhate.

* ESPAÑOL:    ¿Qué significa SINODIO? SIN-ODIO. Parar de odiar, si tú estás odiando. Sinodio es un mensaje que nos invita a considerar que el odio y el amor no están tan lejanos entre sí como pensamos. Realmente. los dos son sentimientos opuestos que  a menudo están en un equilibrio delicado e inestable . Nuestra campaña promueve un cambio en el equilibrio: no odies , Unhate .

 

Y por último, porque quiero, una canción. Porque como dice la campaña, sobra odio y falta amor.

 

 

No dudéis en dar me gusta y compartir! Se agradece mucho =)

 

 

Wonder Woman, el origen de las amazonas.

Wonder Woman es una heroína de Dc creada por el psicólogo, inventor del polígrafo y escritor William Moulton Marston en 1941. En plena Segunda Guerra Mundial cuando a los cómics de superhéroes se les acusaba de continuar fomentando la guerra y la violencia, Marston desarrolla un nuevo personaje cuyas aspiraciones fueran sus ideales de paz y justicia y no de venganza como se habían estado creando hasta entonces; un personaje que luchase por la verdad y el amor, dándole la idea final su esposa: ¿por qué no hacer una mujer?. Es aquí cuando empieza la historia de Wonder Woman.

A mitad de la Segunda Guerra Mundial, como contraataque del fascismo y quizás representando a esas primeras mujeres que trabajaban para el ejército, aparece en la ACC (Sociedad de la Justicia de Ámerica, precedente de la actual liga de la justicia) la primera superheroina de DC, Wonder Woman. Marston buscando diseñar un personaje con las que las mujeres se identificasen, crea sin renegar de su belleza y ternura (supuestas debilidades de su género) una mujer tan fuerte como Superman.

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Fuente: dc.wikia.com

Para ello fue un influido sin duda por el mito griego de las Amazonas, un pueblo legendario de mujeres guerreras que vivían aisladas en una teocracia femenina, según Heródoto, en la ciudad de Themiscyra, actual Terme, nombre de la isla de nacimiento de Diana Prince en el comic y en la nueva película. Una tribu mitologica probablemente inspirada en las mujeres de los escitas, un pueblo nómada real de origen Irání que emigró hacia el sur de Rusia y Ucrania alrededor del siglo octavo antes de Cristo, y en el que sus mujeres fueron reconocidas por su participación en la guerra y habilidades de caza y equitación. El descubrimiento de nuevos kurgans escitas con esqueletos de sus mujeres con cicatrices de batalla, tatuadas y rodeadas de ajuares de arcos, lanzas, flechas y carcajs (La Princesa Escita Ukok) solo terminan de confirmar esta teoría.

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La princesa escita Ukok aún con tatuajes de guerra sobre sus hombros. Fuente: johnhawks.net

No obstante su mito empieza a conformarse en el siglo VIII Ac cuando Homero difunde en la Iliada, quizás haciéndo referencia  estos los escitas, a las antianiras: “Las que luchan como varones”. Desde entonces estas mujeres provocaron el terror y la admiración entre los griegos convirtiéndose en un mito común en su arte y fusionando su historia con la del resto de sus dioses. Ahora, todo héroe griego que quisiera demostrar su valía debía batirse combatiendo contra una de estas guerreras, las cuales pocas veces se muestran con un gesto de merced. Protagonistas de numerosos vasos, fueron pintadas como valientes hoplitas griegos luchando contra Hércules  (quien en su noveno trabajo debía arrebatarle el cinturón a Hipolita, reina de las amazonas),  Teseo (quien secuestró a su hermana Antíope a cambio de conseguir con Hércules dicho cinturón) y contra Aquiles (que suele aparecer luchando contra Pentesilea en Troya), conformando estas las diferentes escenas del tema iconográfico que a día de hoy denominamos las amazonomaquias: las guerras contra las amazonas.

Fuente: wikipedia.org.

 

“Ahora, más sensualizadas y destapadas parecen justificar con el feminismo de su piel desnuda, la debilidad de su género y la de Persia.”

 

Pero su mito, como lo ha sido la historia de la mujer, será nuevamente manipulado por razones políticas tras la destrucción de Atenas por parte de los Persas en el 480a.C. Las amazonas ahora servirán de analogía a la barbarie persa, vistiendo con vestidos persas, gorros frigios,  arcos y sagaris, sus hachas, todo a la manera oriental, apareciendo continuamente derrotadas por Teseo en Atenas y de nuevo por Aquíles en Troya, decorando los frisos de los más famosos edificios clásicos de la Antigua Grecia y acompañando a otras escenas como las victorias sobre los gigantes y los centauros, todas ellas representaciones de la victoria de la democracia y de la cultura griega sobre la barbarie tirana e irracional de Persia. Ahora, más sensualizadas y destapadas parecen justificar con el feminismo de su piel desnuda, la debilidad de su género y la de Persia. “Androctonas“, “asesinas de varones” como las llamaba Heródoto en el siglo V, salvajes y a caballo, ignorantes de las tradiciones femeninas,  serán despreciadas. La transgresión del apaciguo canon femenino, en definitiva, “ser una amazona”, lo convirtieron en un insulto que de nuevo se ganaron las sufragistas 15 décadas después.

Cartel de la película: “Les suffragettes”

 

Un mito que continuó inspirando historias durante la conquista de nuevos mundos con supuestas apariciones en los viajes de, entre otros muchos, Marco Polo, Cristóbal Colón, Hernán Cortes y Francisco de Orellena, este último quien dijo ser atacado un grupo de mujeres con cerbatanas y flechas cerca del río Marañón, rebautizado entonces como el río Amazonas.

Grabado de Theodore de Bry, siglo XVI. Fuente: WHITE IMAGES / SCALA, FIRENZE

 

La admiración del pueblo griego y de las diferentes sociedades en torno al mito de las Amazonas, las convirtieron en un producto de la imaginación masculina, tal y como también lo ha sido su hija americana, Wonder Woman. Manipulada también desde sus inicios, Wonder Woman, quien ha sido foco del fetichismo masculino siendo despojada de sus poderes y de cada vez de más ropa, ahora resurge vistiendo sus orígenes y reviviendo el espíritu de las amazonas: representar la equidad y el compañerismo entre Steve Trevor y Diana Prince, entre el hombre y la mujer. Para no seguir siendo juzgadas por nuestro físico, tal y como lo sufrió Linda Carter para la serie de TV de Wonder Woman de 1975 y ahora Gal Gadot por sus supuestos “pocos pechos”; y para que mujeres y directoras como Patti Jenkins (The Killing, Monster) sigan destruyendo las barreras entre nuestras profesiones, cosechando éxitos viendo a las mujeres más allá de lo que otros no supieron ver. 

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Estreno de Wonder Woman. Gal Gadott, Patty Jenkins y Linda Carter. Fuente: Fotografía de Alberto E. Rodriguez/Getty Images

 

 

 

 

Harley Quinn, ejemplo a seguir en la gran pantalla.

El viernes fui al estreno de la película “Suicide Squad”, la cual llevaba esperando con muchísima emoción desde la difusión de cada uno de sus fantásticos tráilers. He de admitir que odio las películas de superhéroes. Me aburren. Pero soy una ferviente amante de la dirección artística, fotográfica y sonora de una película; en general de toda su estética, y por lo tanto – aunque el guión flojease- podría ir y soportarlo, viendo las expectativas visuales que nos prometían estos tráilers. Aún así, ya de primeras puedo confirmar que la película tuvo muchísimas carencias en el resto de campos: guión, montaje y dirección. Pero bueno, de eso hay ya mil críticas y que cada uno se haga la suya propia al ver la película. Tristemente lo único que al final logró emocionarme es ver de nuevo en escena a Joel Kinnaman, mi querido detective Holder de la serie The Killing. Uno de los pocos ejemplos de series policíacas decentes de la televisión.

Yo en cambio prefiero abrir el debate a otra cuestión. Desde las primeras fotos y tráilers han llovido multitud de críticas en torno a una de sus protagonistas principales, la cómica arlequín Harley Quinn, compañera sentimental del Joker. Y es que detrás de su aparente carisma y atractivo diseño, esconde un sombrío pasado que crea una profunda controversia en el presente.

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¿Qué oculta esta villana?

Harley Quinn surgió en 1992 unida al diabólico personaje del Joker en la serie animada de “Batman: The Animated Series” convirtiéndose desde entonces en una de las villanas favoritas del universo DC.  No pretendo hacer un monográfico sobre ella, no conozco el universo DC, pero digamos que fue creada  al cuestionarse sus guionistas cómo sería la novia del Joker. Es por tanto, a raíz de la psicología del Joker (loca, narcisista y manipuladora) cuando se decide crear un personaje débil al que pudiera dominar, apareciendo en pantalla la psiquiatra Harleen Quinzel, terapeuta del Joker en prisión. Pero en una mente tan perversa no cabe el amor. Manipulada, se enamorará profundamente del payaso hasta el punto de aceptar sus insultos y torturas, apareciendo con ellos su locura y en consecuencia el personaje que todos admiran y conocen: Harley Quinn. 

Así que me pregunto, ¿Como un personaje con una existencia tan trágica puede ser tan admirado? Y es que este personaje se ha convertido en un icono femenino, a veces incluso admirada por su fortaleza, lo cual es peor. Los espectadores se quedan con su primera impresión: su diseño rimbombante, su sentido del humor y su “inocente” sensualidad. Su fidelidad al Joker y su amor incondicional. Pero, ¿dónde están los límites? Al fin y al cabo Harley Quinn y el Joker representan una relación regida por el maltrato y la sumisión. Es entonces cuando el espectador se suele hacer la primera pregunta: ¿deberíamos mostrarlo o modificarlo?

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 El sentido de responsabilidad en el arte

¿Hasta qué punto el arte se siente en la obligación de enseñar al espectador? ¿Cuál es la responsabilidad que tiene el artista con su sociedad? Se ha debatido mucho al respecto. Conocemos la labor comunicativa de las inscripciones antiguas e incluso la labor didáctica que emprendían las imágenes religiosas en la Edad Media. Durante la Edad Moderna el arte, con sus retratos, bodegones y batallas, mantiene su carácter evocador: ensalzar las posesiones de su propietario. Hasta que a finales del siglo XVIII con la creación de las primeras exposiciones, el artista empieza a crear para un público más amplio y no solamente para su protector, apareciendo entonces la dichosa pregunta ¿hasta qué punto el arte siente una responsabilidad cívica con su sociedad?

Hoy día, con la lucha por la igualdad de género se han suprimido muchas imágenes y anuncios fuera de lugar. Prevalece la moral por encima de la publicidad. Por tanto, es inevitable pensar acerca de la tóxica relación que ejemplifican Harley Quinn y el Joker en la gran pantalla. Juzgan tanto el mal ejemplo de su relación como la mala impresión que causa el vestuario de la nueva Harley Quinn en los jóvenes. Una pregunta que llegué a hacerme yo misma al ver la película y que aquí expongo a debate. Pero, ¿acaso no es Harley Quinn una villana? No se le puede pedir que sea un ejemplo a seguir, como tampoco se lo piden al Joker. Si tuviéramos que eliminar toda acción o personaje inmoral en el arte, ya sea en el cine como en la literatura, nos quedaríamos sin obras.

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Saturno devorando a su hijo de Goya, Las controversias de los monumentos políticos como El Valle de los Caídos, y la Venus del espejo de Velázquez la cual fue atacada por una sufragista feminista en 1914.

 

“El arte ejemplifica esa diversidad, nos habla tanto del bien como del mal.”

No puede valorarse el arte por el ejemplo que produce en su sociedad. No podemos suprimir la maja desnuda de Goya por su sensualidad, el Guernica por su desgarradora historia o El valle de los caídos por su controvertida existencia, precisamente porque esos valores aumentan aún más el sentido de su existencia. El arte con su historia no pretende ser un ejemplo a seguir, el arte precisamente pretende ejemplificar esa diversidad. Nos habla tanto de bien como de mal. Son instantáneas de un libro cuyo objetivo es conmover. ¿Si no nos plantearíamos censurar por ejemplo a Bukowski, porqué nos planteamos censurar historias similares en otras artes? El debate, por tanto, no consiste en suprimir la relación del Joker y Hayley Quinn en la gran pantalla, sino que el espectador conozca su historia y lo que el autor quiso expresar.

Así, continuamos con la polémica de sus panties. Margot Robbie admitió haber tardado un año en prepararse físicamente para poder calzarse esos pantalones. Sólo con ese dato, a la it-girl más superficial se le deberían quitar las ganas de llevar uno. He de decir a su favor que he visto personajes femeninas más sexualizadas, e incluso el propio personaje de Harley vistió peor en alguno de sus videojuegos….Tristemente puedo decir que gracias a la costumbre ya no me asombro. No voy pecar de inocente y justificar sus pantalones. Obviamente si se los acortaron durante el rodaje es porque vende más. La realidad es que esos panties se convierten en un objeto más de la subordinación de la mujer a su público masculino. Pero, ¿no es esa al fin y al cabo la verdadera identidad de Harley? ¿Ser el objeto sexual del Joker, ser la representación total de la mujer dominada?

Quiero ser positiva y pensar que, con suerte, ella y sus pantalones, con los nuevos estereotipos de mujer en el cine, podrían convertirse en el máximo ejemplo de la última representación del prototipo sometido de mujer… Sea como sea, mientras las jóvenes conozcan la realidad de su historia sólo puedo decir que, aunque a mi también me guste en conjunto el diseño del Joker y de Harley Quinn, no me gustaría calzarme esos pantalones.

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Evolución de algunos de los vestuarios de Harley Quinn.

 

Bueno como veis hoy a tocado reflexión. Como siempre, si os ha gustado darle a like y si no os ha gustado o no estáis de acuerdo con alguno de mis argumentos- que es probable dado la problemática del tema- ¡comentad! Estaré encantada de leerlo y debatirlo.

Hasta pronto.

 

 

Los artistas en la Guerra Civil Española. 1. Los cartelistas.

Por el 80 aniversario de la Guerra civil española continuamos con el apartado  “Los artistas en la guerra civil española”con el fin de introducirla a través de las labores que ejercieron sus artistas en ella. Hoy voy a explicar una de sus tareas más representativas, el diseño de carteles de propaganda política para ambos bandos.

 

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Alexandre de Riquer, uno de los más importantes cartelistas del modernismo catalán. MNAC

 

¿Cuando surgió el cartel?  Para ello debemos conocer qué es el cartel y cuál es su función. Antes de la invención del cartel ya existían las señales, hitos e ilustraciones que acompañaban a textos, pero esa combinación imagen-texto con soporte independiente al conjunto del periódico y duración efímera al acontecimiento que presentan, surgió a finales del siglo XIX principios del XX, sobre todo vinculado a las nuevas necesidades de propaganda comercial que se crearon con la aparición de la nueva sociedad de consumo. En España estuvieron principalmente vinculados a la necesidad de difundir festejos taurinos y patronales. La tranquilidad de los primeros años del siglo XX ligó al cartel con el movimiento del Art Nouveau, bailes de máscaras, fiestas y exposiciones. El cartel político, en cambio, tiene una vida más corta pues empezó a desarrollarse durante el siglo XX vinculado a las grandes guerras, y aquí en España durante la guerra civil.

 

 Los carteles se producían mediante la técnica de la litografía surgida a final del siglo XVIII. Ella consistía en dibujar con un lápiz de grafito sobre una plancha de zinc, la cual a continuación se mojaba y se cubría de tinta con un rodillo, tinta que quedaba adherida al dibujo graso debido a que el agua repele las tintas grasas de la plancha. Cada color solía requerir una plancha, las cuales a continuación se estampaban una por una sobre un mismo papel gracias a un torno, repitiendo el proceso para cada uno de los carteles. Ya os podéis imaginar lo lento y laborioso que se hacía el proceso.

Fontsere nos da una idea de lo importante que fue el cartel en la época de la guerra civil:

“El cartel daba unas consignas; pensar que entonces no había Televisión […]  El cartel, con sus colores llenando las paredes de las ciudades, realmente tuvo un impacto tremendo, y contribuyó, al menos, a crearse ambiente de lucha. La prueba es que los partidos lucharon dialécticamente a través del cartel.

 

 

1. Nacionales

Los bandos se distinguían por su ideología la cual a su vez quedaba reflejada 

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Distintivo del partido unido de la FET y de la JONS. El yugo y las flechas con el color rojo sangre y negro pólvora.

gráficamente en sus carteles. Los carteles del bando sublevado, apoyado principalmente por el Ejercito, la Iglesia, conservadores de los partidos de la CEDA, de la FET y de la JONS, monárquicos y grandes terratenientes; todas aquellas instituciones que estaban perdiendo sus privilegios con las nuevas leyes creadas durante la república, se ganaban el apoyo del pueblo ensalzando la unidad de España, la fe y el catolicismo, y usando símbolos triunfalistas que abarcaban desde el yugo y las flechas de los reyes católicos, al águila bicéfala del escudo del emperador Carlos V, hasta una profunda influencia de símbolos tomados del fascismo italiano y alemán como la esvástica (invertida), la tipología gótica de los nazis y el prototipo del superhombre de Nietzsche, reinterpretado por los nazis.  Artísticamente los artistas fueron influidos por el monumentalismo (Sáenz de Tejada), el surrealismo (José Caballero) y  el art déco (Tono).

A diferencia del bando republicano, el bando nacional dispuso en un primer momento de menos instrumentos para difundir su propaganda ya que las grandes ciudades habían permanecido leales a la República y con ellas, sus periódicos, emisoras y estudios cinematográficos. Lentamente con ayuda exterior italiana y alemana y absorbiendo los antiguos medios de comunicación republicanos crearon sus propias instituciones.

Además fueron colaboradores gráficos de revistas como Teodoro y Álvaro Delgado en la revista falangista Vértice,  Joaquín Valverde y Domingo Viladomat en Laureados de España; así como cartelistas de organizaciones del bando sublevado como « Auxilio de Invierno» la cual se transformaría luego en «Auxilio Social», y para « Hogares de Reposo del Soldado » y los « Hogares del Herido » los cuales organizaron cursillos de orientación cultural y propagandística.

Del mismo modo que surgieron asociaciones extranjeras en apoyo de la República, las hubo también para apoyar y difundir la propaganda nacional. Así aparecieron « The Spanish Nationalist Relief Committee » en Gran Bretaña o « Les Amis de l’Espagne Nouvelle » en Francia.1

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Sello e insignia de Auxilio Social, junto con carteles de Teodoro Delgado, Cabanas, Sanz de Tejada y , de nuevo, Cabanas.

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Los carteles republicanos en cambio nos permiten conocer gráficamente la cantidad de partidos y sindicatos de diferentes siglas e ideologías que componían y estaban a favor de la República. De entre todos ellos destacan ya en la época, entre sus partidos, el PSOE; y entre los sindicatos el de la UGT y la CNT.

En los carteles del bando republicano en cambio, se resalta la importancia de la educación, la lucha contra el fascismo, la necesidad de disciplina… todos ellos acompañado de símbolos en vinculados al movimiento obrero y comunista, proyectando hoces, martillos, engranajes, el color rojo… además del uso de  estrellas de cinco puntas las cuales simbolizaban el espíritu internacional de su lucha, en tanto que representan a los 5 continentes, así como a las 5 clases sociales: juventud, militares, obreros, campesinos e intelectuales.

Tal y como aparece en la página de PARES, sus editores fueron muchos, destacando instituciones públicas como el Ministerio de Instrucción Pública, el Ministerio de Propaganda y el Ejército de la República. Entre las entidades privadas toman importancia los sindicatos y los partidos políticos, especialmente CNT-AIT, UGT, PCE, además de Juventudes Libertarias, Altavoz del Frente o las Asociaciones de Amigos de la Unión Soviética.

Obviamente 1938, a un año de la victoria nacional, se convierte en un mal año para el cartelismo republicano. Los republicanos van perdiendo terreno, la moral está por los suelos y muchos talleres cierran por escasez de papel y de tintas.

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Carteles de PSOE, de la Juventud socialista unificada, de Josep Renau para el partido comunista, de la FAI, de la UGT, de la Federación local de Juventudes Libertarias (anarquistas) y del periódico “Verdad” donde cooperaron Partido comunista y PSOE.

La mayoría de los carteles salían de las ciudades republicanas más importantes: Barcelona, Madrid, Valencia y Bilbao, en las cuales crearon sus propios sindicatos de dibujantes como el Sindicato de Dibujantes Profesionales (Barcelona, UGT), el sindicato de Profesionales de Bellas Artes (Madrid, UGT) o el Sindicato de Profesionales Libres de las Bellas Artes (Valencia). De entre los artistas cabe destacar la figura de Josep Renau, creador del cartel de esta entrada, así como director del traslado de las obras del Museo del Prado; y para quien quiera hacerse un tatuaje, aconsejo echar una ojeada a los modernos carteles de Germán HoracioVicente Ballester Marco, y Manolo Prieto creador de portadas de libros y del Toro de Osborne. A mí me encantan.

Además los republicanos crearon exposiciones y concursos de carteles de carácter solidario como la primera que se desarrolló, la exposición de G. Sainz de Morales, A. Carretero y E. Cortiguera en Barcelona, la cual dedicó hasta el 20% de sus ventas a las victimas de la guerra civil; además de las exposiciones en el extranjero que buscaban la solidaridad internacional como la Exposición sobre La revolución Española en Londres o la Exposición Antifascista de Documentos sobre España, en París.

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2 carteles de Germán Horacio y uno de Goico Aguirre para el Frente Popular de Asturias.

Dudas:

¿Llegaron a tener influencia de los carteles revolucionarios rusos?

-Fontseré: Creo que tuvieron influencia, pero no éramos demasiado conocedores de la tradición rusa. La revolución rusa tuvo una enorme influencia en la revolución española en todos los aspectos. Pero no tenía una influencia intelectual, en el sentido que tienen hoy por la profusión de revistas o libros. En las Universidades de hoy se estudian esas cuestiones; vosotros sois más eruditos que nosotros.

 

CONCLUSIÓN:

Siempre me han gustado los carteles. Claros, concisos y de colores brillantes, gracias a su fuerza y atractivo visual se convierten en un potente medio de comunicación que además goza de un lenguaje gráfico casi universal. Gustan tanto a civiles como a políticos, extranjeros, intelectuales, pobres y analfabetos; quienes convierten a sus personajes heroicos en sus fuentes de inspiración y modelos a seguir.

¿Se podría decir por tanto que Delacroix, Goya y Velázquez no son carteles de otro tiempo? ¿No son banderas de unos ideales?

Es entonces cuando surge la polémica entre Ramón Gaya y Joseph Renau sobre qué es y qué no es un cartel. Pero eso es otra historia que podéis leer de su propia mano en la transcripción hecha por la S.B.H.A.C.

 

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Los fusilamientos del 3 de mayo, Francisco de Goya, 1813-1814. Museo del Prado.

 

Fuentes: