En las profundidades de Oscar Wilde

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Siempre había intentado terminar la novela “De profundis” de Oscar Wilde. Como ciertas películas y libros, ella me observaba atenta desde su estante, tentándome, hasta que la agarraba, la ojeaba y la volvía a cerrar sin conseguir llegar a comprenderla. Comprender porque ha de ser tan larga una carta y comprender porque ha de ser entretenido leer las penurias a las que fue sometido este pobre escritor durante 200 páginas. Hasta hoy.

Como bien supo ver su amigo Robert Ross al publicar esta carta con dicho título, no hay nada más profundo que adentrarse en la mente del artista a partir de su correspondencia, como tampoco hay momento más hondo en la vida de su amigo que las experiencias guardadas en esta carta. “De profundis” se convierte  en el confesionario manuscrito de Wilde quien, mientras abre los ojos a su pasado, lo acepta y logra coger fuerzas para mirar con esperanza hacia el futuro, volviendo a la caverna para intentar, por última vez, salvar el alma de su amante Lord Alfred Douglas, también llamado Bosie, causante de todo su dolor, sus desgracias y su condena.

Nacido en Dublín en 1847 en el seno de una rica familia burguesa, a Oscar Wilde se le conoce por ejemplificar el ideal del dandysmo inglés del siglo XIX. Tal y como dijo Baudelaire, se convierten en la última revelación del heroísmo en una época de decadencia, una puesta de sol, el último rayo radiante del orgullo humano. Oscar Wilde, con su inusitada sensibilidad, admirando la infructuosa existencia del arte, convierte su vida en una experiencia igual de inolvidable e insustituible y, en consecuencia, en una crítica social viviente.  Artísticamente, sus obras ejemplifican el esteticismo literario inglés de finales del XIX, al tiempo que se reconocen, como se reconoce a si mismo, por su propensión a la paradoja, a la excentricidad y a su cuidada belleza sintáctica. Una protesta viviente contra una época igualitaria, trivial y utilitaria “en la cual no sabemos aprovechar nada”.

 

“Yo era una encarnación del arte y la cultura de mi época”                                        “Desperté la imaginación de mi siglo”

 

En “De profundis” nos adentramos en la consciencia de un artista atormentado. Un artista que es consciente del papel que desempeña en su mundo y de la responsabilidad que su don espera de él; y que ahora, afligido por el abandono de su arte durante los años de derroche y caprichos vividos junto a su amante, antepone la esperanza al resentimiento haciendo un bonito canto al dolor. Wilde, paladín del placer, en la cárcel se reconcilia con su dolor, pues vislumbra que, tal y como Cristo supo ver, el pecado y el dolor son caminos hacia la perfección.“El placer para el cuerpo es hermoso; para la belleza del alma, el dolor”. Un camino que se recorre en soledad, en una concepción cada vez más individualista de la vida, en la que antepondrá su propia evolución personal al exigente mundo. Luchar por desarrollar su arte, pues tanto el dolor como el amor son la piedra de toque del gran arte, de la perfección, de Dios.

Finalmente el odio de su amante hacia su padre y la fama que conseguiría este vejando la figura del famoso Wilde como sodomita, hicieron de una guerra externa el fin de un gran artista. Y es que, pese a las esperanzas recogidas en esos dos años de cárcel, morirá tres años más tarde a principio de su nueva vida, pobre, solitario y en agonía…

 

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Ilustración de… una de las novelas de Oscar Wilde, por la diseñadora Madame Yna Majeska. 1930. Fuente: The British Library Board.

 

 

Como siempre, espero que os haya gustado esta nueva entrada y que os anime a leer con detenimiento este libro tan conmovedor. Pues solo con minuciosidad y, tal y como dice Wilde, “imaginación”, se puede disfrutar de la belleza oculta de sus palabras.

– Fuente: Wilde, Oscar. (1999), De profundis. Madrid, España: Edimat Libros, S. A. (con el estudio preliminar de Carmelo Sánchez Castro.)

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Los artistas en la Guerra Civil española. (1) Introducción.

Hoy es 18 de julio y cumplimos, desgraciadamente, el 80 aniversario de la irreparable Guerra Civil española. Este mismo día en 1936 Mola en Pamplona, Goded en las Baleares y Franco en Canarias, lograrán alzarse contra la Segunda República siendo el principio de una dolorosa guerra civil que terminará con la victoria nacional en 1939.

Ahora, vinculándolo más al arte, me pregunto… ¿Qué fue de los artistas durante la guerra civil?

Y como siempre que hago un post encuentro más temas de los que puedo reducir a una entrada, voy a hacer un nuevo apartado del blog llamado “Los artistas de la guerra civil”, porque creo que no merecen menos.

 

1. Introducción a la guerra civil

En 1923 el general Primo de Riera dio un golpe de estado apoyado por el monarca Alfonso XIII contra la Constitución de 1876, instaurando continuas dictaduras militares desde el 1923 a 1931.  Por estas circunstancias el pueblo desconfía de Alfonso XIII y buscará la república pidiendo elecciones municipales en enero de 1931.

 era una hora de definiciones… Hay que estar con el rey o contra el rey”  Indalecio Prieto, líder del PSOE, 1930.

Como era de esperar, el pueblo, traicionado, crea  el Pacto de San Sebastián donde se unen casi todos los partidos republicanos y en última instancia PSOE y UGT con el fin de poner fin a la monarquía y crear una Segunda República. Los republicanos ganan las elecciones en casi todas las comunidades (salvo en las Islas Canarias, Baleares, León, Valladolid y Navarra, entre otras)  y surgen manifestaciones multitudinarias contra el rey que le obligan abandonar el país. Desde 1931 a 1936 gobernará el país la Segunda República.

«Los republicanos, como eran legos en materia de gobierno, forzaron tanto el motor que lo quemaron.»   Juan Eslava Galán, Historia de España contada para escépticos.

Porque, digan lo que digan, la vida no es blanca o negra, suele ser color hormigón. La república fue un gran proyecto lleno de expectativas y buenas intenciones consumidas, como siempre, por los viles actos de unos pocos. El secreto proyecto de liberar al pueblo de la profunda influencia de la Iglesia y devolvérselo a los libros fue desvelado al tolerar la quema de templos y conventos por parte de descontentos y  descontrolados. Grandes conquistas como el matrimonio civil, el divorcio o la creación de escuelas públicas amenazaban el poder de la Iglesia la cual, con su influencia, cobijó a la burguesía y alta cuna que temían perder sus privilegios en una heterogénea república que abarcaba desde monárquicos a socialistas, comunistas y anarquistas. Todos tenían cabida en la república, incluso esos monárquicos y burgueses que tanto la detestaban podrían encontrar su representación en la CEDA (Confederación española de Derechas Autónomas), la cual ganó las elecciones del 1936, primeras elecciones en las que las mujeres tuvieron voto. Aún así fue un periodo de inestabilidad por los continuos alzamientos anarquistas y militares (como el de Sanjurjo). Con las numerosas influencias fascistas (Italia y Alemania), y comunistas (Rusia),  las posturas se radicalizaron, y tras las elecciones de enero de 1936, con la victoria del Frente Popular (una coalición de partidos izquierdas), las llamas se prendieron con los asesinatos del teniente Castillo, izquierdista, y con el asesinato del parlamentario de derecha Calvo Sotelo. Finalmente los militares, cansados de esperar, se coordinaron rebelándose el 18 de julio de 1936.

Goya. Duelo a garrotazos. 1820. La historia se repite.

 

Los artistas en la guerra

Resumir todos los antecedentes de la guerra civil no es fácil. Y obviamente me dejo unos cuantos. Pero en resumen quería mostrar ese gris hormigón y esa diversidad de partidos que componían la Segunda República y siguieron luchando durante la Guerra Civil.  Ahora, vayamos a los artistas.  

El arte vive gracias a sus compradores ya sea el propio estado o particulares. Habrán obras personales del artista pero, en general, los artistas requieren del comprador para sobrevivir y, en consecuencia, directa o indirectamente viven influenciados en más o en menos medida, por los gustos de la época y por la sociedad en la que viven. Así que, ¿qué ocurre en una época de crisis o guerra?

Descienden los compradores de arte, ahora más interesados en subsistir en su tierra que en engalanar sus hogares, y el artista sufre su perdida. Grandes marchantes, si son inteligentes, compran las obras para salvarlas (más baratas dada la necesidad de subsistir del artista) y venderlas (más caras) a países más prósperos. Un gran negocio para rateros y desalmados pero también para grandes corazones, como los de brigada de “Monuments and Fine Art and Archives de la Segunda Guerra Mundial (reproducida en la película “Monuments Ment” de George Clooney), como los responsables de la evacuación del Prado durante la Guerra Civil con Josep Renau joven cartelista y el arquitecto Vaamonde como sus directores; o la importante labor que están llevando a cabo hoy día los equipos de la UNESCO para salvar el patrimonio de Oriente amenazado por el ISIS.

Foto: Destrucción de obra de arte en Nimrud a cargo de ISIS
Fotografía del periódico “El Confidencial”. ISIS en Irak, 2015.

 

¿Qué fue de los artistas durante la Guerra civil española?

El número de obras de arte durante la guerra civil, obviamente por los motivos que he explicado antes y por las numerosas destrucciones de templos y arte sacro, descendió, y los artistas tuvieron que buscar nuevas maneras de subsistir, exiliándose o luchando por sus ideales en un bando o en el otro.  Así, entre otras misiones, los artistas se encargaron de participar en importantes labores de propaganda diseñando carteles, exponiendo la situación del país al exterior presentando obras a Congresos Internacionales, usar la poesía para arengar y recordar a sus compañeros en la batalla, escribir en periódicos, educar a sus soldados… Actividades que iré rememorando en las siguientes entradas de este apartado 😉

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Como siempre, muchas gracias por leerme y si os ha gustado darle a Like!, que siempre anima a seguir escribiendo. Y aquí, aquellos grandes libros que me han ayudado tanto a aficionarme a la guerra civil como a seguir escribiendo esta entrada:

-“Los girasoles ciegos” de Alberto Méndez = Cruenta mirada de 4 pequeños relatos conectados sobre la vida de sus personajes durante la Guerra civil española. Atroz.

-“El Lápiz del Carpintero” de Manuel Rivas = Gran novela para aquellos más positivos y que les guste las novelas con algún romance de por medio. Personalmente, me encantó.

-“Luna de Lobos” de Julio Llamazares = Supervivencia de 4 jóvenes escondidos en la montaña tras la victoria del ejército nacional y la consiguiente persecución de los republicanos por los nacionales. Llena de intriga y dolor.

-“Historia de España contada para escépticos” de  Juan Eslava Galán.= Para aquellos que se quieran echar una risa al tiempo que conocen de manera general la historia de su país. Estupenda.

-“Una historia de la Guerra civil que no le va a gustar a nadie”, de nuevo, de Juan Eslava Galán. = Una mirada más profunda y documentada de la guerra civil española. Puede ser pesada para aquellos que no estén familiarizados con tantos personajes que tomaron parte en el desarrollo de la guerra. Un compendio documentado de barbaridades de ambos bandos.

 

¿Cómo se mira la fotografía de desnudo (B&W)?

 

Pero y … ¡¿Quién no sabe mirar un desnudo?!

Así de primeras, parece una pregunta estúpida. Todos disfrutamos, a veces más o a veces menos, mirando un desnudo. Todos somos bellos por naturaleza, y más las modelos que suelen aparecer en las típicas fotografías de desnudo. Aquellas mujeres bonitas y de medidas 30-0-30. (Este debate lo dejo mejor para otra entrada de reflexión)

Pero ahora mismo no quiero polemizar en torno al cuerpo, simplemente quiero enseñaros a “ver” la fotografía de desnudo en blanco y negro.

Iba a buscar dos fotografías, una la típica hortera, de modelo de medias de rejillas, látigos, cuero y simplemente porno, y otra de un gran artista. Pero creo que ya tenemos suficientes ejemplos de mal gusto por Internet así que voy a presentaros a grandes fotógrafos, ya que ellos son quienes realmente pueden enseñarnos tanto a mirar, como a hacer, una buena fotografía. Ello unido a nuestra propia sensibilidad y amor hacia la fotografía, (y por qué no! hacia el desnudo!)

 

La línea

Tal y como nos gusta acariciar la figura de nuestra pareja, nos gusta perdernos en las líneas de una buena fotografía. Ya sean curvas, cerradas, diagonales… Las lineas mecen nuestra mirada por la fotografía. En su aspecto teórico son el principio del dibujo y rigen las normas de composición de todas las artes. Esto nos permite crear fotografías bien compuestas, armoniosas,  e incluso adentrarnos más o menos en la imagen. Sea como sea las líneas son sensuales, delicadas y apetitosas, y eso también lo transmite la  fotografía.

                           

                             Lucien Clergue                                                  Edward Weston

 

El contraste

El contraste rige el peso de la composición. En general una foto con un contraste equitativo es una buena foto porque mantiene el equilibrio de la armonía entre ambos colores, el negro y el blanco. Pero esa es la norma más tradicional, lo bonito es saber deformarla o romperla. Usar mas negro que blanco para focalizar un detalle,  usar el contrapeso entre dos formas distintas (una linea que compense una masa), aumentar el volumen hasta transformar el cuerpo en una escultura clásica. El contraste, el jugar a “quitar y a poner” hasta que el cuadro se equilibre, es uno de los trabajos más satisfactorios en la fotografía de desnudo y en cualquier tipo de arte. Incluso lo sentimos a la hora reorganizar un ramillete de flores.

       

              Ruth Bernhard                     Richard Avedon                     Arkadiusz Branicki

La textura

Es igual de atractivo que jugar con el contraste pero llevándolo a su máxima expresión. Manchar y Manchar la imagen de luces y sombras, así como de texturas, y lograr que aún así se armonicen entre ellas. O incluso se mimetizen. Sombras de arbustos, rendijas de luz recorriendo el cuerpo, las texturas tienen una atracción salvaje. Y lo mismo ocurre al mimetizar las sombras de las costillas con las propias arrugas de las sabanas. O en sus aspectos más oníricos,  la ficción con lo real.

                                     

                                          Brett Weston                                  Jeanloup Sieff 

Gretta Buysse

El ritmo

La continuidad de lineas o formas ya sean en vertical, en horizontal, en diagonal, o incluso como veremos adelante, en profundidad.  Como ya hemos visto el contraste es atractivo y ¡cuanto más mejor!

            

Allan l. teger                                Jeanloup Sieff

 

La profundidad

Otra derivación de lo anterior. Dos líneas que se cortan para formar un punto de fuga. La sucesión rítmica de cuerpos ahora en profundidad puede crear composiciones tan sumamente interesantes como esta:

         Helmut Newton

Las metáforas

Los símbolos, como el lenguaje, son infinitos. La originalidad, la ironía, el sarcasmo, la metáfora, todas estas figuras literarias pueden ser absorbidas por el arte de la fotografía. Ya sea de una manera más literal, en una fotografía más crítica, o de una manera más metafórica, en una fotografía más surrealista o dadaísta.

 Man Ray

Las alegorías

Por último para qué mentir. Soy una romántica. Creo que no hay nada más sensual que dejar entrever sin llegar a ver.

Rafael Navarro

Féliz Gonzálex-Torres

Féliz Gonzálex-Torres (1957-1996) fue un artista cubano especializado en el arte de la instalación y de la escultura conceptual.  El amor, el SIDA y la muerte son los principales temas de sus obras, un reflejo de su propia vida. Además trabajó en la evolución del retrato tradicional y en las instalaciones como una obra de arte en proceso, es decir, que la obra evoluciona conforme el espectador interactúa con ella. He aquí alguna de sus obras.

“Sin título”(Retrato de Ross en LA) 1991

Un retrato visual de la vaporosidad de la vida de su pareja Ross Laycock, consumida por el SIDA. Peso total 175 libras (79k), peso de Ross en vida. Instalación como arte en proceso: su peso, su vida, se va consumiendo conforme los espectadores se llevan un caramelo. Amor eterno, la instalación se va recomponiendo conforme se consume.

  “Untitled”, (Perfect Lovers), 1987-1990.

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Sintonía de un amor sincronizado. Desarrollada tras la muerte de Ross Laycock,  5 años antes de su propia muerte también por el SIDA.

 

“Untitled” (1990)

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24 vallas publicitarias en diversas calles de Nueva York, 1990. Número de vallas equivalente a la fecha en la que murió su compañero. Además de una conmemoración personal al luto, también sirvió como reivindicación contra el silencio social hacia los fallecidos por el SIDA aquellos años.

 

Que sea o no arte para ciertas personas… eso requiere otro post. Pero a mi, personalmente, me encanta.