Harley Quinn, ejemplo a seguir en la gran pantalla.

El viernes fui al estreno de la película “Suicide Squad”, la cual llevaba esperando con muchísima emoción desde la difusión de cada uno de sus fantásticos tráilers. He de admitir que odio las películas de superhéroes. Me aburren. Pero soy una ferviente amante de la dirección artística, fotográfica y sonora de una película; en general de toda su estética, y por lo tanto – aunque el guión flojease- podría ir y soportarlo, viendo las expectativas visuales que nos prometían estos tráilers. Aún así, ya de primeras puedo confirmar que la película tuvo muchísimas carencias en el resto de campos: guión, montaje y dirección. Pero bueno, de eso hay ya mil críticas y que cada uno se haga la suya propia al ver la película. Tristemente lo único que al final logró emocionarme es ver de nuevo en escena a Joel Kinnaman, mi querido detective Holder de la serie The Killing. Uno de los pocos ejemplos de series policíacas decentes de la televisión.

Yo en cambio prefiero abrir el debate a otra cuestión. Desde las primeras fotos y tráilers han llovido multitud de críticas en torno a una de sus protagonistas principales, la cómica arlequín Harley Quinn, compañera sentimental del Joker. Y es que detrás de su aparente carisma y atractivo diseño, esconde un sombrío pasado que crea una profunda controversia en el presente.

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¿Qué oculta esta villana?

Harley Quinn surgió en 1992 unida al diabólico personaje del Joker en la serie animada de “Batman: The Animated Series” convirtiéndose desde entonces en una de las villanas favoritas del universo DC.  No pretendo hacer un monográfico sobre ella, no conozco el universo DC, pero digamos que fue creada  al cuestionarse sus guionistas cómo sería la novia del Joker. Es por tanto, a raíz de la psicología del Joker (loca, narcisista y manipuladora) cuando se decide crear un personaje débil al que pudiera dominar, apareciendo en pantalla la psiquiatra Harleen Quinzel, terapeuta del Joker en prisión. Pero en una mente tan perversa no cabe el amor. Manipulada, se enamorará profundamente del payaso hasta el punto de aceptar sus insultos y torturas, apareciendo con ellos su locura y en consecuencia el personaje que todos admiran y conocen: Harley Quinn. 

Así que me pregunto, ¿Como un personaje con una existencia tan trágica puede ser tan admirado? Y es que este personaje se ha convertido en un icono femenino, a veces incluso admirada por su fortaleza, lo cual es peor. Los espectadores se quedan con su primera impresión: su diseño rimbombante, su sentido del humor y su “inocente” sensualidad. Su fidelidad al Joker y su amor incondicional. Pero, ¿dónde están los límites? Al fin y al cabo Harley Quinn y el Joker representan una relación regida por el maltrato y la sumisión. Es entonces cuando el espectador se suele hacer la primera pregunta: ¿deberíamos mostrarlo o modificarlo?

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 El sentido de responsabilidad en el arte

¿Hasta qué punto el arte se siente en la obligación de enseñar al espectador? ¿Cuál es la responsabilidad que tiene el artista con su sociedad? Se ha debatido mucho al respecto. Conocemos la labor comunicativa de las inscripciones antiguas e incluso la labor didáctica que emprendían las imágenes religiosas en la Edad Media. Durante la Edad Moderna el arte, con sus retratos, bodegones y batallas, mantiene su carácter evocador: ensalzar las posesiones de su propietario. Hasta que a finales del siglo XVIII con la creación de las primeras exposiciones, el artista empieza a crear para un público más amplio y no solamente para su protector, apareciendo entonces la dichosa pregunta ¿hasta qué punto el arte siente una responsabilidad cívica con su sociedad?

Hoy día, con la lucha por la igualdad de género se han suprimido muchas imágenes y anuncios fuera de lugar. Prevalece la moral por encima de la publicidad. Por tanto, es inevitable pensar acerca de la tóxica relación que ejemplifican Harley Quinn y el Joker en la gran pantalla. Juzgan tanto el mal ejemplo de su relación como la mala impresión que causa el vestuario de la nueva Harley Quinn en los jóvenes. Una pregunta que llegué a hacerme yo misma al ver la película y que aquí expongo a debate. Pero, ¿acaso no es Harley Quinn una villana? No se le puede pedir que sea un ejemplo a seguir, como tampoco se lo piden al Joker. Si tuviéramos que eliminar toda acción o personaje inmoral en el arte, ya sea en el cine como en la literatura, nos quedaríamos sin obras.

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Saturno devorando a su hijo de Goya, Las controversias de los monumentos políticos como El Valle de los Caídos, y la Venus del espejo de Velázquez la cual fue atacada por una sufragista feminista en 1914.

 

“El arte ejemplifica esa diversidad, nos habla tanto del bien como del mal.”

No puede valorarse el arte por el ejemplo que produce en su sociedad. No podemos suprimir la maja desnuda de Goya por su sensualidad, el Guernica por su desgarradora historia o El valle de los caídos por su controvertida existencia, precisamente porque esos valores aumentan aún más el sentido de su existencia. El arte con su historia no pretende ser un ejemplo a seguir, el arte precisamente pretende ejemplificar esa diversidad. Nos habla tanto de bien como de mal. Son instantáneas de un libro cuyo objetivo es conmover. ¿Si no nos plantearíamos censurar por ejemplo a Bukowski, porqué nos planteamos censurar historias similares en otras artes? El debate, por tanto, no consiste en suprimir la relación del Joker y Hayley Quinn en la gran pantalla, sino que el espectador conozca su historia y lo que el autor quiso expresar.

Así, continuamos con la polémica de sus panties. Margot Robbie admitió haber tardado un año en prepararse físicamente para poder calzarse esos pantalones. Sólo con ese dato, a la it-girl más superficial se le deberían quitar las ganas de llevar uno. He de decir a su favor que he visto personajes femeninas más sexualizadas, e incluso el propio personaje de Harley vistió peor en alguno de sus videojuegos….Tristemente puedo decir que gracias a la costumbre ya no me asombro. No voy pecar de inocente y justificar sus pantalones. Obviamente si se los acortaron durante el rodaje es porque vende más. La realidad es que esos panties se convierten en un objeto más de la subordinación de la mujer a su público masculino. Pero, ¿no es esa al fin y al cabo la verdadera identidad de Harley? ¿Ser el objeto sexual del Joker, ser la representación total de la mujer dominada?

Quiero ser positiva y pensar que, con suerte, ella y sus pantalones, con los nuevos estereotipos de mujer en el cine, podrían convertirse en el máximo ejemplo de la última representación del prototipo sometido de mujer… Sea como sea, mientras las jóvenes conozcan la realidad de su historia sólo puedo decir que, aunque a mi también me guste en conjunto el diseño del Joker y de Harley Quinn, no me gustaría calzarme esos pantalones.

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Evolución de algunos de los vestuarios de Harley Quinn.

 

Bueno como veis hoy a tocado reflexión. Como siempre, si os ha gustado darle a like y si no os ha gustado o no estáis de acuerdo con alguno de mis argumentos- que es probable dado la problemática del tema- ¡comentad! Estaré encantada de leerlo y debatirlo.

Hasta pronto.

 

 

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Otra forma de ver Wall·E (2008)

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En un mundo postapocalíptico donde la Tierra acaba sucumbiendo a la infección parasitaria de la vida humana, nuestro mundo es abandonado a su suerte por la humanidad, ahora habitantes de la nave BnL. En la Tierra Wall·E, un pequeño robot de limpieza, se convierte en la irónica personificación de la última esperanza del ser humano. En un universo donde la basura, las máquinas y los anuncios envuelven el planeta, el hogar de este ingenioso robot  se convierte en el último reducto de humanidad en la Tierra. Entre los inventos, las bombillas y los casetes, la dulzura de una cinta en VHS de Hello Dolly! se convierte en su bien más preciado. El último romántico en la era de las tecnologías, recolector primero de chatarra y después de fragmentos olvidados de vida humana, resulta ser un robot.

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Así, una película para niños se convierte en una lección moral para los adultos, un canto a la humanidad, al arte y a las emociones sobre la hegemonía de las ya ensalzadas tecnologías. Los humanos, abducidos por la facilidades tecnológicas, absorbidos por la publicidad, y perezosos en sus relaciones personales «han perdido todo lo que los hace humanos» (Rod Dreher). Pero el amor y el arte nunca mueren, traspasando incluso las barreras de la realidad, reencarnándose en la figura de Wall·E súbitamente enamorado de EVA, una robot tipo sonda y combate que es enviada a la Tierra para buscar cualquier indicio de vida vegetal que permita a la humanidad volver a su planeta.

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Así EVA se convierte en la paloma blanca que con la rama de olivo en su pico devuelve la vida a la Tierra en la historia bíblica del Arca de Noé… o en la inversión o el indulto a la historia de su homónima bíblica Eva, la primera mujer en la Tierra y supuesta culpable de la creación del Pecado original. EVA ahora utiliza la planta para comunicarse con la humanidad y salvarla advirtiéndole de que se alejen del «falso dios» de BnL y vuelva a la Tierra (Jim Reardon, guionista de la película) . De igual manera, el amor de Walle-E se convierte en otro símil de la historia griega de Butades de Sición,  en la que su hija en un intento de preservar la imagen de su amante, dibuja la silueta de su sombra en una pared poco antes de que él parta hacía la guerra; silueta que luego Butades de Sición -tal y como lo hace Wall·E con EVA en una de las escenas de la película-, convertirá en escultura. Conmemora así con la escena, uno de los primeros mitos del nacimiento del arte según la tradición griega y con ello nos recuerda que cualquier «acto de creación se encuentra ligado a la emoción del amor» (Hrag Vartanian). 

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Es más, al final de la película el impulso que lleva al capitán de la nave a volver a la Tierra tiene que ver con el arte y el amor. El canto, el baile, la música, y el arte tienen el poder de conectar y de mejorar nuestra comprensión del mundo; el arte como forma de comunicación puede inspirar la revolución, la redención o el cambio. (Bridget McGovern). Y siguiendo este mismo espíritu el director de Wall·E,  Andrew Stanton, decidió crear unos títulos de créditos que completasen la película y demostrasen que la Tierra se podría volver a habitar. Así crearon un positivo epílogo en forma de títulos de crédito, dirigidos por Jim Capobianco y el animador Alexander Woo, acompañados por la canción “Down to Earth”, compuesta por Thomas Newman y con laletra y voz del cantante de rock Peter Gabriel, la cual es un llamamiento al retorno a la naturaleza y a la vida, conclusión final de la película y de sus créditos finales, los cuales muestran el proceso de re-civilización de la tierra que surge unido, ineludible, al nacimiento de los estilos artísticos, y que se termina de desarrollar, casualmente, en algún lugar antes de la revolución industrial…

Fuentes:

PULITZER 2016 y GÉRICAULT 1819

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Ayer se celebró el centenario de los Premios Pulitzer: los “Oscars” del periodismo, la literatura y la composición musical en los Estados Unidos.  Premian en total 21 categorías, cinco de literatura, dos de teatro y música y  catorce de ellas periodísticas que abarcan desde largas investigaciones a fotografías o caricaturas.

La cuestión es que ayer viendo las fotografías premiadas me impactó la de Sergey Ponomarev del The New York Times. Y es que no he sido la única que se ha dado cuenta del gran parecido de esta fotografía de los refugiados con una pintura de hace dos siglos.

¿Sabéis cual es?

Sergey Ponomarev,The New York Times – November 16, 2015

 

Y aquí la pintura:

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La balsa de la Medusa, Théodore Géricault (1819)

Siendo objetiva puede que vosotros no le veáis más parecido que la tormenta y los náufragos pero os voy a contar la historia:

 

En junio de 1816 la fragata francesa Méduse salió de Rochefort con rumbo al puerto senegales de Saint-Louis. Su objetivo era aceptar la devolución británica de la colonia de Senegal a Francia tras la Paz de Paris. La Méduse, junto con el nuevo gobernador de Senegal, dirigía un convoy compuesto por otras 3 embarcaciones:el buque-bodega Loire, el bergantín Argus y la corbeta Écho

La cuestión es que el 2 de julio de 1816 la fragata Méduse se fue al garete frente a la costa de Mauritania. (Sí, aunque no lo creáis “irse al garete” es el termino naval para decir que una embarcación se ha descontrolado). Ella se desvió de su rumbo hasta que colisionó con un banco de arena en la bahía de Arguin, en la costa de África Occidental, cerca de la actual Mauritania. Todo ello se debió a la incompetencia de su capitán, un enchufado político que apenas había navegado en 20 años. Además había desdeñado los consejos de los expertos oficiales navales a sus ordenes. Viendo que no podían desencallar el banco decidieron entonces salvar los 60km que los separaban de la costa africana en los 6 botes que portaba la fragata. Pero sólo cabían en los botes 250 personas y eran 400 contando con los 160 marineros. Ya podéis imaginaros por donde voy… El resto de la tripulación 146 hombres y una mujer decidieron construir una balsa de 20x7m donde sólo podían mantenerse de pie. Era tal el peso que el agua les llegaba hasta la cintura, pero al menos flotaban. Aún así 17 miembros de la tripulación decidieron quedarse a bordo de la Medusa. Los botes entonces debían arrastrar con ellos la balsa para llegar todos a la costa pero a mitad del trayecto los cabos que las unían se soltaron. ¿? Los botes, el capitán y el impaciente nuevo gobernador de Senegal abandonaron a los pasajeros de la barca a su suerte.

En la primera noche 20 personas se suicidaron o fueron asesinadas dentro de la barca, quizás porque sólo se les entrego una bolsa de galletas y los 2 contenedores de agua que se cayeron por la borda durante las peleas. Los supervivientes de la balsa sufrieron tormentas, la sed, el hambre y la desesperación. Muchos cayeron en la locura. Se produjeron asesinatos y homicidios deliberados de los más débiles que acabaron en actos de canibalismo. Después de 13 días la balsa fue rescatada por casualidad por una de las naves del convoy inicial. Sólo habían logrado sobrevivir 15 hombres. Ya en Senegal murieron 5 más. Sólo llegaron a Francia 10.

Lo ocurrido se convirtió en un escándalo internacional y una vergüenza para la recientemente restaurada monarquía francesa tras el Imperio de Napoleón. El capitán fue depuesto, y el gobernador y el ministro destituidos.

¿Es cosa mía o eso de dar la espalda a los naúfragos sigue a la orden del día?

Sea como sea, y tal y como ha hecho hoy Sergey Ponomarev, Théodore Géricault (1791-1824)  un pintor francés de la época sintió que debía plasmar la noticia. Se pasó meses recabando información de ella, entrevistó a dos de sus supervivientes (uno de ellos el cirujano Jean-Baptiste Savigny quien inició los homicidios deliberados) y realizó multitud de estudios anatómicos de moribundos y miembros amputados en hospitales. Hizo del suceso 2 estudios completos: la mutilación de los amotinados y el posterior canibalismo. Pero finalmente aspirando a igualar la grandeza de David en la pintura de historia se centró plasmar la victoria de los supervivientes de la balsa y la redención de su sufrimiento en vez de los horrores vividos en ella. Es por ello por lo que abandonó la ferviente verosimilitud del hambre, la insolación y las heridas en los cuerpos de sus protagonistas en pro de mostrar su dominio del desnudo y de la figura anatómica más ideal. Así La balsa de la Medusa se convirtió en una obra de transición entre la pintura más tradicional (composición triangular clásica, anatomías de formas ideales) y el nuevo camino hacia el romanticismo. Porque pese a que hoy día creamos que el romanticismo solo abarca pinturas de “romances” también engloba las pinturas más irracionales, violentas y dramáticas. Como dice Rosenblum de ella (aunque considero que podría valer para las dos imágenes):

La Medusa señala el fin del movimiento ilustrado, desvelando la verdad oscura y aterradora que se esconde bajo la tapadera de la razón. 

 

BIOGRAFÍA:
  • Robert Rosenblum y H.W. Janson “El arte del siglo XIX” EDITORIAL AKAL, 1992
  • Stephen F. Eisenman y Thomas E. Crow. Ediciones AKAL, 2001
  • *Los datos técnicos de la historia en la cita son un resumen, transformación del contenido que hay en Wikipedia más algunas corroboraciones propias de los anteriores libros.

“Los errores más comunes en la moda”

Ayer tuve el placer de leer otro de estos típicos artículos de moda para mujeres. Cuando escribimos, no siempre podemos poner todo lo que pensamos, sería demasiado extenso, se nos pasa o simplemente focalizamos el tema en otra dirección.

Cuando leo este tipo de artículos la dirección que suelen tomar es la práctica. Qué es aquello que suele quedarnos mal, qué no debes hacer, qué no debes llevar, qué es más cómodo, qué te sentará mejor según la forma de tu cara…

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Son útiles no lo dudo, y en muchos de los casos pueden incluso ser un gran favor a la humanidad. Todos hemos visto cosas que preferíamos no haber visto o que nos negaríamos a llevar. Nuestra cara parece un cuadro. Sería hipócrita decir que yo nunca lo he pensado, todos somos humanos, tenemos la capacidad innata del asombro, ¡sobre todo yo!

Pero lejos de esos consejos más relacionados con la forma en la que somos vistos yo quiero centrarme en la propia persona.

 

Cualquier persona como mejor luce es con su confianza.

Que tengas la cara o el cuerpo de determinada forma no debe ser un impedimento para que te pongas aquello que te guste. Si te gustaría ponerte algo, sé valiente y pruébalo. Disfrútalo, Regálate la experiencia a ti y no a los demás. No dejes que los demás dicten qué es lo que te sienta bien o mal. Lo importante es cómo te sientas tú.

El objetivo de la ropa y del pelo es sentirla como un reflejo de ti mismo. Las modas están bien. No debemos verlas como un enemigo de la sociedad. No la convirtamos ni la identifiquemos únicamente como una industria “superficial”. Cada original invención es una oportunidad nueva para poder expresarnos. Lo que hoy no te gusta a ti,  puede ser un gran abanico de color para tu opuesto. La moda es bella, como el arte, por lo que puede expresar de nosotros mismos.

De la misma manera, no escojas qué vestir por la moda del momento, escógela por ti. No te limites a ser una oveja sin gusto. Todos tenemos gusto. Libérate. Tu estilo debe ser aquel que sientas como propio, que te complete, con el que te identifiques. Es por ello por lo que también puede cambiar. Obviamente no es la misma ropa la que nos ponemos con 5, con 15 o con 23 años. Cambia con nosotros conforme maduramos. Cuando mires atrás no te arrepientas de tus “pintas”, ríete, y sobre todo recuerda cómo te hacían sentir en ese momento.

Incluso aquellos que “pasamos de la moda”, estamos expresándonos con nuestra elección. Esa chica que se pone lo primero que pilla en el armario o aquel que siempre usa los mismos colores…aunque no presten importancia a sus prendas se están expresando en torno a ellas. Mark Zuckerberg, el creador de facebook,  al elegir vestirse siempre con camisa gris esta expresando su manera de ver la vida. Os aconsejo buscar sobre ello. Es por ello por lo que, a pesar de que “la moda” les dé igual, nunca los veremos con algo con lo que no se identifiquen.  Quizás nunca veremos a esa chica tan práctica haciéndose rulos por todo el pelo, le dará pereza, o a un “heavi” con camisetas de Agatha Ruiz de la Prada. O sí. Es lo bonito de ser 7.229.916.048 en el mundo y todas diferentes.

Asi que para aquell@s que no se sientan identificados con los anteriores artículos de moda, recordad: La ropa es un mero ornamento para ensalzarnos a nosotros mismos. Nunca dejéis que nadie os diga que no podéis llevar.

 

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PD. Si leéis bien los primeros párrafos y el artículo en general esto no es un manifiesto de guerra contra la webs de moda y la moda en general. Al revés. Recordad siempre que los extremismos matan el valor de nuestros ideales. Hay que luchar unidos no divididos.